Tonangebende Richtungen der Avantgarde haben aus der seit langem tiefgreifend schwelenden gesellschaftlichen Krise der Musik in diesem Jahrhundert die Konsequenz gezogen, musikalische Kunstwerke setzen zu können, die aller Konvention entrückt sind und keinen außermusikalischen Zwecken zu genügen haben. Aus frei mit dem Material umgehender Subjektivität heraus, die bereit ist — ohne das Engagement einer sozialen Selbstverpflichtung — ganz auf sich verwiesen und unter Erleiden einer zuweilen bitter quälenden Einsamkeit zu existieren, entstanden mithin Kompositionen, die ohne Rücksicht auf die nahe Mitwelt und die Realitäten ausschließlich an künstlerischen Notwendigkeiten orientiert waren. Neben der Anbiederung an die gemeine Menge mittels verbindlichen, gefälligen, von Trivialitäten und Klischees durchwirkten Werken der großen Zahl, rangen um keinen Konsensus nachsuchende, gänzlich frei sich wähnende “Schöpfer neuer Musik” um die Realisation von Tonstücken, die die Allgemeinheit brüskiert ablehnte. Paul Hindemith ist als “Bürger-schreck,” als aufrührerisches enfant terrible sowie als rücksichtslos empfundener “Neutöner” der letzt genannten Tendenz während einiger junger Jahre nachgefolgt. Mit dreistem Gestus schrieb und interpretierte er eine antiromantisch gemeinte Musik ohne Weihe, Pathos und konventionelle Schönheit. Diese frech wirkende Demonstration des Unbehagens am Etablierten wurde ihm zeitlebens nicht vergessen und mancherseits auch nicht verziehen, obwohl Hindemith sehr bald in einem Prozess von “Selbstbescheidung” (Winfried Zillig) davon abließ und gesellschaftlich wie auch künstlerisch um ein erneuertes Verhältnis des Einverständnisses bemüht war. Er ging einen Weg des “Hin und Zurück,” der ihm wieder eine Heimstatt eröffnen sollte und somit eine lebhafte Resonanz im Hier und Jetzt.

The survival of any type of music in Ghana is dependent upon the extent to which the music is able to satisfy the values the people look for in such music. The values, which may be aesthetic or structural, social or religious, may operate individually or in a simultaneous complexity. In other words the factors that shape and maintain the folk music in Ghana may be found in the music per se, in the artist or in the context of performance.

There are musical norms which the community expect in a musical performance. One such norm is the sound quality. The Ghanaian concept of music (and this may go for other African peoples too) does not unduly discriminate between sounds of definite pitches and sounds of indefinite pitches. It is true that in some situations the emphasis may be on one or the other. However, examples abound in which musical ensembles employ both pitched and unpitched instruments. And both categories of sound are given relatively equal roles in a performance.

Over a span of twenty-five years, I had the privilege of an extraordinary association with Charles Seeger. It began with an introduction by Jaap Kunst, in 1954, and ended with a letter dictated by Seeger and typed by his secretary (but still unsigned), a few days before his death in February, 1979. In our first meeting he was a teacher. In his last letter he was a warm concerned friend, and still a teacher. To say he is missed would be as redundant as saying one misses a brother, a father, a comrade-in-arms, a colleague, a best friend.

Musical history research and ethnomusicology have hitherto usually been treated as separate fields. One of the reasons for this is doubtless the search for a way in which the material to be dealt with should be presented. Historical research has, as we know, to do with a body of musical fact which has been handed down through the medium of notation and therefore exists in a more or less concrete form. Non-European music and European folk music, on the other hand, are exclusively dependent upon oral tradition. To begin with, the latter does not, as Robert Lachmann once very aptly expressed it, exist for us at all. Materials must first be made indirectly tangible for us through special means, that is to say, they must be translated through recording and transcription out of the sphere of oral tradition into that of written notation. This is certainly one of the chief reasons why musical history research and ethnomusicology have hitherto gone different ways, each with its own independent aims, complexes of problems and methods.

Among the vast and varied song repertories of North American Indians, there is a category of songs that has received little attention from ethnomusicologists and anthropologists: the native melodies with English words. A number of these songs have been heard with amusement by workers in the field, and a few have been recorded, but to my knowledge no one has attempted to study the significance of this material and its relation to the societies that have produced it. Despite the paucity of recordings and information that precludes a comprehensive study of these interesting songs, this paper is offered as an initial and tentative effort to give form and interpretation to this material, with the hope that others may be stimulated to carry out further investigations and research.

Die Umsiedlungen im Gefolge des Zweiten Weltkrieges haben die wichtigste Quelle für die Kenntnis des älteren deutschen Volksliedes fast zur Gänze verschüttet. Ich meine jene Melodien, die seit den achtziger Jahren des vorigen Jahrhunderts in deutschen Sprachinseln Süd- und Osteuropas aufgezeichnet werden konnten (Suppan, 1962-63). Heute sind nur noch wenige ergänzende Einzelstücke von ähnlichem Wert und Alter aufzulesen. Von einem solchen Relikt, das die beiden Freiburger Volkskundler J. Künzig und W. Werner 1961 in Süddeutschland auf Tonband festhalten konnten und in dankenswerter Weise dem Referenten zur Verfügung stellten, soll hier die Rede sein: es handelt sich um das Fragment einer siebenbürgisch-sächsischen Totenklage, die der ältesten Schicht zugehört, die bisher in diesem Raum erfasst werden konnte.